Por: Andrés Hernández – @andreshf5

Alguien dijo que una obra está terminada cuando el artista—unilateralmente—considera que ha cumplido su propósito, expresando una idea o despertando un sentimiento. Por lo tanto, algunas obras que parecieran incompletas, en realidad son obras terminadas, toda vez que el artista ha completado su proceso creativo. Con esto en mente, el MET Breuer—una rama del Metropolitan Museum of Arts que busca mostrar colecciones innovadoras y es albergado en el antiguo edificio del Whitney Museum, diseñado por el arquitecto y modernista Marcel Breuer—abre sus puertas con su exposición “Incompleto: pensamientos visibles” (Unfinished: thoughts left visible). De acuerdo con la curadora de la exposición se busca plasmar la “incompletitud” del arte (“unfinishedness”).

La exhibición es interesante porque muestra dos grupos de obras. El primero incluye piezas efectivamente incompletas, es decir que por alguna razón—guerras, desinterés o falta de tiempo—el artista nunca terminó y nunca exhibió. El segundo grupo es el que para nosotros, simples mortales espectadores no creativos y sin educación formal del arte, parecieran obras incompletas, pero en realidad están terminadas porque el artista considera que el objetivo de su obra se alcanzó y expresa su idea plenamente.

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Portrait of Mariana de Silva y Sarmiento, duquesa de Huéscar (1740-1794). Anton Raphael Mengs – 1775

 

La experiencia del primer grupo de obras es muy rica por la combinación poco común de piezas de taller artístico en un recinto donde normalmente se exhiben obras terminadas. Además del desencaje, la exposición permite identificar la evolución del proceso creativo. La muestra incluye pinturas creadas entre el siglo XVI y principios del siglo XX, y va desde el renacimiento hasta pinturas contemporáneas, al pasar por Tiziano, Klimt, Van Gogh y hasta Warhol. Es común encontrar piezas de estos artistas en los mejores museos del mundo, pero en muy pocos corremos con la suerte de ver testimonios de su proceso creativo.

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Retrato póstumo de Ria Munk III. Gustav Klimt (1017-1918)

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Street in Auvers-sur-Oise. Vincent van Gogh – 1890

El segundo grupo de obras es interesante por la historia detrás de cada una. Por ejemplo, cuando surgieron los impresionistas, algunos espectadores pensaban que eran obras incompletas, pero en realidad los autores estaban satisfechos; el objetivo de sus obras se alcanzaba en el momento en que el espectador se alejaba y percibía la figura que el autor quería representar. Otro ejemplo interesante es “James Hunter el Recluta Negro” pintado por Alice Neel. Esta pieza se elaboró en 1965, a mediados de la guerra de Vietnam, cuando Estados Unidos hubo puesto en marcha un proceso que obligaba a los ciudadanos a enlistarse en el ejército y participar en la guerra. Neel conoció a Hunter y le pidió que posara como modelo; sin embargo, ella ignoraba que Hunter habría sido seleccionado para ir a la guerra una semana después. Cuando Neel regresó a buscarlo, se topó con la sorpresa que Hunter había sido reclutado y no pudo “terminar” su obra. No obstante, la autora decidió que su pieza debería exhibirse así. Se podría inferir que el objetivo se había alcanzado y que ahora es una suerte de protesta contra el proceso de reclutamiento.

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James Hunter Black Draftee. Alice Neel – 1965

En el caso de “San Bartolomé”, Rembrandt desdibuja intencionalmente las ropas, y elige pintar sólo una mano del mártir. Con lo primero logra enfatizar la gesticulación del personaje y, con lo otro, hace que el espectador se concentre en el cuchillo utilizado para la tortura; particularmente, para su tortura. La obra gira alrededor de la muerte de San Bartolomé quien fuera desollado vivo con un cuchillo como el que está sosteniendo. Con su técnica, Rembrandt ejemplifica a los artistas que deciden terminar una obra abruptamente.

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Saint Bartholomew. Rembrandt (Rembrandt van Rijn) – 1957

El movimiento de “incompletitud” también se ha manifestado en la escultura. La exhibición incluye dos piezas de la artista contemporánea Janine Antoni. Según Antoni, las obras de arte nunca pueden estar completamente terminadas porque están en un proceso de cambio constante. Cuando alude al cambio constante, Antoni se refiere al deterioro físico de las obras. Ya sea por descuido o por el mero paso del tiempo, las obras se desgastan, y en ese sentido Antoni considera que nunca están terminadas. A raíz de este pensamiento, decidió hacer dos bustos de autorretrato que han cambiado y seguirán cambiando con el tiempo. Uno es hecho de chocolate y el otro de jabón. No conforme con haber escogido materiales que sufren un deterioro constante, la artista decidió lamer el primero y bañarse con el segundo. Antoni instruyó que ambos bustos fueran exhibidos sin ningún tipo de protección, casi a la intemperie.

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Lick and Lather. Janine Antoni (1993 – 1994)

El MET es aclamado por revivir al arte viejo y hacerlo atractivo, pero adolece en ofrecer propuestas contemporáneas. En realidad no culparía al MET, no debe ser cosa fácil combinar a los artistas más reconocidos y consagrados a nivel mundial con propuestas arriesgadas. De cualquier forma, la exhibición de Incompletitud es una muestra de lo que son capaces de hacer. El nuevo recinto me parece ideal para llevar acabo esta tarea, además que la construcción del museo es una joya en sí misma. Finalmente, la dinámica del museo y sus exposiciones temporales lo dotan de una característica de Incompletitud permanente.

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Escrito por InteIndep

Un comentario

  1. Angélica Breña 23 mayo, 2016 en 8:45 am

    Me gusta muchísimo la selección de fotos para lo que dices. Es una lástima que no pueda ir a verla personalmente pero ese Recluta Negro de James Hunter me dejo una curiosidad inacabada. felicidades!!

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